Robert Venturi

Robert Venturi es un arquitecto estadounidense. Ha realizado una parte importante de su obra conjuntamente con su esposa, Denise Scott Brown con quien trabaja desde 1969. Scott, sin embargo, fue excluida del premio Pritzker con el que fue galardonado en 1991. Quince años después, ambos de manera conjunta fueron distinguidos con la Medalla de Oro del AIA 2016, el premio de arquitectura más importante de EEUU. Alcanzó prestigio cuando en la década de 1960 inició la crítica a la ortodoxia del movimiento moderno, que desembocó en el postmodernismo de la década de 1970. Su causa defendía una arquitectura compleja y que aceptara sus contradicciones. Rechazó la austeridad del movimiento moderno y animó el retorno del historicismo, la decoración añadida y de un rotundo simbolismo en el diseño arquitectónico.
Nació en Filadelfia como Robert Charles Venturi. Estudió arquitectura en la Universidad de Princeton, en Nueva Jersey, y pasó después tres años como becario en la Academia Americana en Roma. A continuación Venturi trabajó hasta 1958 en el estudio de Eero Saarinen y Louis Kahn. En esa época también fue profesor de arquitectura teórica en la Universidad de Pennsylvania, en Philadelphia.
Los diseños de sus edificios urbanos tienen un aspecto característico, que recuerda a dibujos o pinturas, tanto por el empleo de colores, como por la ubicación de las ventanas y demás elementos en las fachadas. Venturi pretende con ello dar un aire alegre a los edificios situados en un medio urbano, por lo general monótono. En cambio, es muy respetuoso con el entorno cuando diseña edificios situados en la naturaleza, como las casas de vacaciones que ha realizado en diversos lugares de los Estados Unidos.
En 1972 publicó el libro "Aprendiendo de las Vegas" escrito con Denise Scott Brown y Steven Izenour. La primera parte amplia los resultados del seminario organizado en 1968 en la Universidad de Yale; con fotos, mapas y diagramas en las que demuestra cómo funciona la arquitectura típica de Las Vegas. En el centro de la segunda parte se habla sobre dos figuras emblemáticas: "el pato" y "la caja decorada". El pato se convierte en una escultura; la forma simbólica se apropia completamente de la arquitectura, desempeñando un papel excesivo. La caja funcional, se decora de acuerdo con su función, con un cartel publicitario sobre la cubierta o en el terreno.
La casa Vanna Venturi, es una de las primeras obras destacadas de la arquitectura posmoderna, está situado en Chestnut Hill, en las afueras de la Ciudad de Filadelfia, a unos 15 kilómetros al norte del centro de la ciudad. Fue diseñada por el arquitecto Robert Venturi para su madre Vanna Venturi, y construida entre los años 1962 -1964. La casa fue vendida en 1973 y sigue siendo una residencia privada. La casa de cinco habitaciones alcanza unos 30 pies (9 m) de altura en la parte superior de la chimenea, pero tiene una fachada monumental, efecto que se consigue mediante la manipulación intencionada de los elementos arquitectónicos que indican la escala de un edificio. El Historiador de la arquitectura Vincent Scully lo llamó "el más grande pequeño edificio de la segunda mitad del siglo XX".

Fuente    https://www.loc.gov/pictures/collection/highsm/item/2011631329/ Autor    Carol Highsmith
Imagen obtenida de: https://es.wikipedia.org/wiki/Casa_Vanna_Venturi#/media/File:VVenturi_House_Highsmith.jpeg

Casa de Vanna Venturi en Chestnut Hill, Philadelphia, Pennsylvania fotografiada por Carol M. Highsmith. De la Biblioteca del Congreso Título de Metadatos: Vanna Venturi House en Chestnut Hill, Philadelphia, Pensilvania Creador (es): Highsmith, Carol M., 1946-, fotógrafo Fecha de creación / publicación: [entre 1980 y 2006] Medio: 1 transparencia: color ; 4 x 5 pulg. O más pequeño. Número de reproducción: LC-DIG-highsm-13135 (archivo digital del original) LC-HS503-1876 (transparencia de la película en color) Aviso de derechos: No se conocen restricciones de publicación. Número de la convocatoria: LC-HS503-1876 (EN LÍNEA) [P & P] Repositorio: División de Grabados y Fotografías de la Biblioteca del Congreso Washington, DC 20540 EE. UU. Http://hdl.loc.gov/loc.pnp/pp.print Notas: Construido en 1989 (SIC) por el arquitecto Robert Venturi. Título, fecha y palabras clave proporcionadas por el fotógrafo. Línea de crédito: fotografías en el archivo Carol M. Highsmith, Biblioteca del Congreso, División de Grabados y Fotografías. Regalo y compra; Carol M. Highsmith; 2011; (DLC / PP-2011: 124). Forma parte del archivo de Carol M. Highsmith. Temas: Estados Unidos - Pensilvania - Filadelfia. America. Robert Venturi. Formato: Transparencias - Color - 1980-2010. Colecciones: Highsmith (Carol M.) Archivo Parte de: Highsmith, Carol M., 1946- Carol M. Highsmith Archive. Marcar este registro: https://www.loc.gov/pictures/item/2011631329/

Fuente del texto:

https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Venturi#Obras_representativas

Multifamiliar Alemán

El conjunto urbano Presidente Alemán o conocido simplemente como Multifamiliar Alemán, es un conjunto habitacional ubicado en la Colonia del Valle, al sur de la Ciudad de México y construido en 1947-1949. Es la primera aplicación formal apegada a los principios del funcionalismo de Le Corbusier, dado que su creador, Mario Pani, lo diseñó basado en la Ville Radieuse.ado
El proyecto se dio El rápido crecimiento de la población de la Ciudad de México, que acumuló en pocos años un contingente de habitantes excesivo, sin que la industria de la construcción siguiera un ritmo paralelo, condujo al urgente planteamiento de los conflictos derivados de la deficiencia de satisfactores primarios cuya demanda excede a las posibilidades inmediatas.
 Pero su obra de mayores proporciones, que por sí misma representa el esfuerzo más vigoroso llevado a cabo en México para solucionar el problema de viviendas, fue en ese tiempo, la que dicha dirección realizara, de 1947 a 1949, en una superficie de 40,000 metros cuadrados y con un costo aproximado de cerca de veinte millones de pesos, en terrenos de la Colonia del Valle, entre las calles Félix Cuevas, Mayorazgo (hoy Adolfo Prieto), Parroquia y Avenida Coyoacán: esto es, el Centro Urbano "Presidente Alemán".
La idea de construir este grupo de edificios fue presentada a la junta directiva de la Institución en el mes de Julio de 1947 por su director. Bien acogida por sus miembros, y apoyada por la Federación de Sindicatos de Trabajadores al Servicio del Estado se convocó, entre los arquitectos mexicanos para su ejecución, a un concurso de anteproyectos con especificaciones y costos.
Examinados los anteproyectos que se presentaron, y en ellos analizados los elementos de tipo arquitectónico y constructivo, como son el mejor aprovechamiento del terreno; la mayor capacidad de población; las condiciones de amplitud, confort y comodidad de las viviendas, etcétera, se estudiaron los presupuestos que además de ofrecer los costos más bajos, aseguraran una buena calidad, pronunciándose la Dirección de Pensiones por el anteproyecto del arquitecto Mario Pani.
La idea de construir este grupo de edificios fue presentada a la junta directiva de la Institución en el mes de Julio de 1947 por su director. Bien acogida por sus miembros, y apoyada por la Federación de Sindicatos de Trabajadores al Servicio del Estado se convocó, entre los arquitectos mexicanos para su ejecución, a un concurso de anteproyectos con especificaciones y costos.
Examinados los anteproyectos que se presentaron, y en ellos analizados los elementos de tipo arquitectónico y constructivo, como son el mejor aprovechamiento del terreno; la mayor capacidad de población; las condiciones de amplitud, confort y comodidad de las viviendas, etcétera, se estudiaron los presupuestos que además de ofrecer los costos más bajos, aseguraran una buena calidad, pronunciándose la Dirección de Pensiones por el anteproyecto del arquitecto Mario Pani.


Imagen obtenida de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:CUPA011.jpg?uselang=es
Vista del Multifamiliar Alemán

Fuente	Trabajo propio
Autor	Susleriel

Fuente del texto:

https://es.wikipedia.org/wiki/Multifamiliar_Presidente_Alem%C3%A1n

Moshe Safdie

Moshe Safdie  es un arquitecto israelí-canadiense, principalmente conocido por el proyecto Habitat 67.
Nacido en Haifa, sus padres se trasladaron a Canadá en 1953, cuando contaba con quince años. Realizó sus estudios de arquitectura en Estados Unidos, donde fue discípulo de Louis Kahn en Filadelfia.
Regresó a Montreal para participar en el planeamiento de la Expo del 67 celebrada en esa ciudad. En 1964 fundó su estudio en Canadá y en 1970 abrió oficina en Jerusalén.
Entre otros proyectos públicos llevados a cabo en Israel, Canadá y Estados Unidos, diseñó la nueva terminal del Aeropuerto Internacional Ben Gurión, el Museo del Holocausto Yad Vashem o la renovación del barrio Mamilla en Jerusalén,Marina Bay Sands Singapur.

Tiene el premio medalla de Oro del Instituto de Arquitectos Americanos (2015)
Sus obra mas conocida es:
Habitat 67, o simplemente Habitat, es un complejo de viviendas situado en Montreal, Canadá, diseñado por el arquitecto israelí–canadiense Moshe Safdie. Fue concebido originalmente como su tesis doctoral en arquitectura en la Universidad McGill y posteriormente construido como un pabellón para la Expo 67, la Exposición Universal celebrada desde abril hasta octubre de 1967. Se sitúa en el 2600 de la Avenue Pierre-Dupuy, en el Muelle Marc-Drouin, junto al Río San Lorenzo. Habitat 67 es considerado un hito arquitectónico y uno de los edificios más reconocibles y significativos de Montreal y Canadá.



Fuente del texto:

https://es.wikipedia.org/wiki/Moshe_Safdie

Minoru Yamasaki

Minoru Yamasaki (山崎實, Yamasaki Minoru, 1 de diciembre de 1912 - 7 de febrero de 1986) fue un arquitecto estadounidense, conocido por haber diseñado las Torres Gemelas, los edificios 1 y 2 del World Trade Center. Yamasaki fue uno de los arquitectos más prominentes del siglo XX. Junto con el arquitecto Edward Durell Stone es considerado como uno de los más grandes practicantes del "modernismo romántico" y del neoformalismo en la arquitectura.
Yamasaki nació en Seattle, Washington, hijo de John Tsunejiro Yamasaki y Hana Yamasaki, que habían emigrado de Japón. Creció en la ciudad de Auburn, Washington.
En la década de 1930, durante la Gran Depresión, Yamasaki se trasladó a Nueva York, donde consiguió un empleo en el estudio de arquitectos Shreve, Lamb and Harmon, diseñadores del Empire State. Obtuvo también un título de maestría en arquitectura por la Universidad de Nueva York, y unos años más tarde se incorporó al despacho Harrison and Abramovitz, responsable del diseño del Rockefeller Center.

El World Trade Center (Literalmente, Centro de Comercio Mundial) fue un complejo de edificios en Bajo Manhattan, ciudad de Nueva York, Estados Unidos, que incluía a las emblemáticas Torres Gemelas, inauguradas el 4 de abril de 1973, y destruidas en los atentados del 11 de septiembre de 2001, junto con el World Trade Center.
Al momento de su finalización, los originales World Trade Center 1 (la Torre Norte) y World Trade Center 2 (la Torre Sur), conocidos en conjunto como las "Torres Gemelas", eran los edificios más altos del mundo. Los otros edificios incluían al WTC (Marriott World Trade Center), el WTC  (donde además de oficinas funcionaban diversas bolsas de valores), el WTC (que contenía a la Oficina de Aduanas y Protección Fronteriza). Todos estos edificios fueron construidos entre 1975 y 1985, con un costo de 400 millones de dólares (2300 millones en dólares de 2014). El complejo se ubicó en el corazón del distrito financiero de Nueva York, con un espacio total para oficinas de 1,24 millones de metros cuadrados.
El complejo fue diseñado a principios de la década de 1960 por Minoru Yamasaki y Asociados, de Troy (Míchigan), y Emery Roth e Hijos, de Nueva York. Las Torres Gemelas, de 110 pisos cada una.



El World Trade Center de Nueva York fue la mayor obra de Yamasaki. Fue destruida en Atentados del 11 de septiembre de 2001
Imagen obtenida de : https://es.wikipedia.org/wiki/World_Trade_Center_(1973-2001)


Fuente del texto: https://es.wikipedia.org/wiki/Minoru_Yamasaki

Le corbusier

Charles-Édouard Jeanneret-Gris, más conocido, a partir de la década de 1920  fue un arquitecto y teórico de la arquitectura, urbanista, diseñador de interiores, pintor, escultor y hombre de letras suizo nacionalizado francés en 1930.
Es considerado uno de los más claros exponentes de la arquitectura moderna, fue un incansable agitador cultural, labor que ejerció con pasión a lo largo de toda su vida. Con sus escritos se ganó una merecida fama de polemista y aportó un verdadero caudal de ideas innovadoras que han hecho que su obra influya decisivamente en la arquitectura posterior.
El 15 de marzo de 2006 parte de la «Obra arquitectónica de Le Corbusier – Contribución excepcional al Movimiento Moderno» fue inscrito como Patrimonio de la Humanidad, en la categoría de bien cultural.
Allí se encuentra en un sector privilegiado, la Casa Curutchet, diseñada por el gran arquitecto moderno Le Corbusier.

Es una vivienda familiar con consultorio profesional terminada de construir en el año 1955, según planos del gran maestro de la Arquitectura Moderna.

Su diseño y estilo es singular, todavía llama la atención de igual modo que lo hacen las obras de vanguardia arquitectónica.

La Casa Curutchet es lugar de peregrinación para los arquitectos de todo el Mundo. Actualmente es cede del Colegio de Arquitectos de la Prov. de Buenos Aires


Imagen obtenida de : https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Corbu_weissenhof_lores.jpg?uselang=es
Weissenhofsiedlung Stuttgart Le Corbusier

Descripción	Weissenhofsiedlung Stuttgart Le Corbusier
Fecha
Fuente	Trabajo propio
Autor	Tyke
Localización	Stuttgart, Germany

Fuente del texto : https://es.wikipedia.org/wiki/Le_Corbusier

Frank Owen Gehry

Frank Owen Gehry

Nació con el nombre de Frank Owen Goldberg en Toronto, Canadá. En 1947 se trasladó con sus padres a la ciudad de Los Ángeles y en 1954 se graduó en arquitectura en la Universidad del Sur de California (USC), obteniendo más tarde la nacionalidad estadounidense. Su familia era de origen judío-polaco.
de sus estudios de arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y asociados en Los Ángeles. Tuvo que ausentarse durante un año para hacer el servicio militar y, a su regreso, fue admitido a la Escuela de Diseño en la Universidad Harvard para estudiar urbanismo. A su regreso a Los Ángeles se incorporó nuevamente al despacho de Gruen.
Estudió las obras de Le Corbusiery otros arquitectos franceses y europeos, así como las iglesias románicasexistentes en Francia.
Cuando regresó a Los Ángeles, Gehry abrió su propio despacho de arquitectura. En los años siguientes fue desarrollando su estilo arquitectónico personal y ganando reconocimiento nacional e internacional. Su arquitectura es impactante, realizada frecuentemente con materiales inacabados. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricassimples, que crean una corriente visual entre ellas. Sus diseños no son fáciles de valorar para el observador inexperto, ya que una buena parte de la calidad de diseño se encuentra en el juego de volúmenes y en los materiales empleados en las fachadas, preferentemente el metal, en todo lo cual sólo el entendido reconoce enteramente la armonía y el diseño estructural.
En 2011 inauguró el rascacielos New York by Gehry, también conocido como 8 Spruce Street, levantado en la ciudad de Nueva York, un ansiado proyecto del arquitecto canadiense. Con 76 plantas y 265 metros de altura, el edificio es la torre residencial más alta de Estados Unidos. Construida con 10.500 paneles de titanio y hierro, el edificio semeja estar en constante mutación. Está situado cerca del Woolworth Building, un rascacielos construido en 1913. El edificio alberga una escuela pública, aunque las aulas no las diseñó Gehry.


Imagen obtenida de : https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Wfm_stata_center.jpg?uselang=es
Una fotografía del Centro Stata del MIT.

La foto original fue tomada usando una Olympus C3000Z el 31 de julio de 2004 por el usuario: Raul654. Esta versión reprocesada por el usuario: Finlay McWalter utilizando Adobe Photoshop (en su mayoría ajustes para el contraste y la saturación, para superar la nebulosa en el original). Reducido a 800x600 para la compatibilidad con el wiki.

Fuente: Wikipedia en inglés, carga original del 3 de agosto de 2004 por Finlay McWalter en: Imagen: Wfm stata center.jpg





Fuente del texto : https://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Gehry

Arquitectura posmoderna

Se conoce como arquitectura posmoderna a una tendencia arquitectónica que se inicia en los años 1950, y comienza a ser un movimiento a partir de los años 1970, continuando su influencia hasta nuestros días. El posmodernismo se dice que está anunciado por el regreso de "el ingenio, el ornamento y la referencia" de la arquitectura, en respuesta al formalismo causado por el Estilo Internacional del movimiento moderno. Al igual que con muchos movimientos culturales, algunas de las ideas más pronunciadas y visibles del posmodernismo se pueden ver en la arquitectura. Las formas y espacios funcionales y formalizados del estilo moderno se sustituyen por diversas estéticas: los estilos colisionan, la forma se adopta por sí misma y abundan las nuevas formas de ver estilos familiares y espacios. Quizás siendo lo más obvio, los arquitectos redescubrieron el valor expresivo y simbólico de los elementos arquitectónicos y las formas que se habían desarrollado través de siglos de construcción, que habían sido abandonados por el estilo moderno.



Fuente del Texto : https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_posmoderna

Edificio Bauhaus

Bauhaus, etimológicamente significa, Casa de Construcción, fué fundada en 1919, en Weimar (Alemania), por Walter Gropius, trasladada en 1925 a Dessau y disuelta en 1933 en Berlín. El espíritu y las enseñanzas de esta institución puede decirse se extendieron por todo el mundo.
Con el movimiento de Weimar a Dessau, la Bauhaus tuvo la oportunidad de crear un edificio que ofreciera óptimas condiciones de trabajo al poder desarrollar su propio diseño, que fue llevado adelante por el propio Walter Gropius e inaugurado el 4 de diciembre de 1926, convirtiéndose rápidamente en icono de inicios del movimiento Moderno.

Walter Adolph Georg Gropius (18 de mayo de 1883 - 5 de julio de 1969) fue un arquitecto, urbanista y diseñador alemán, fundador de la Escuela de la Bauhaus. hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. Después de sus estudios trabajó durante tres años en el despacho de Peter Behrens y a continuación se independizó.
se dedicó principalmente a la reforma y ampliación de la fábrica de Fagus en Alfeld. Con sus estructuras metálicas finas, sus grandes superficies acristaladas, sus cubiertas planas y sus formas ortogonales, esta obra se convirtió en pionera de la arquitectura moderna.
En 1934 Gropius se exilió de Alemania al sufrir agresiones de los nazis a su trabajo y a la escuela Bauhaus. Vivió y trabajó tres años en Inglaterra y después se trasladó a los Estados Unidos, donde fue profesor de arquitectura en la escuela de diseño de Harvard. En 1946 fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects Collaborative, Inc., más conocido como TAC. Durante varios años se ocupó personalmente de dirigir y formar el grupos.
Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios. Con ello, Gropius ha sido uno de los creadores del llamado "estilo internacional" en la arquitectura.



UNESCO- Convención de Welterbe
Imagen obtenida de : https://www.bauhaus-dessau.de/de/geschichte/unesco-weltkulturerbe.html



Fuente del texto : https://es.wikiarquitectura.com/edificio/edificio-de-la-bauhaus-en-dessau/

Peter Behrens.

Fue un arquitecto y diseñador alemán.

Entre 1886 y 1889 estudió pintura en la Escuela de Arte de Karlsruhe y posteriormente, en 1889, en Düsseldorf. Al finalizar sus estudios en 1890 hizo un viaje por Países Bajos y al final del mismo se estableció en Múnich donde se casó con Elisabeth Kramer. Allí trabajó como pintor, dibujante publicitario, fotógrafo y diseñador.

En abril de 1892 fundó la Secesión de Múnich (Verein bildender Künstler Münchens e. V. Secession) junto con Franz von Stuck, Max Liebermann y Lovix Corinth, entre otros. Cinco años más tarde crearía la vanguardista Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk (Talleres unidos por el arte en las artesanías). En los siguientes dos años abandona la pintura y realiza diseños de joyería, muebles y objetos de cristal y porcelana. Realiza una serie de exposiciones en el Keller y Reiner Gallery de Berlín, el Gaspolat de Múnich y el Kunsteverein de Darmstadt.

Entre 1899 y 1903 impartió clases en la recientemente formada Colonia de Artistas de Darmstadt, invitado por el duque Ernst Ludwig de Hesse a formar parte de la misma en 1900. Fue allí donde realizó su primera obra arquitectónica: su vivienda en la Colonia. Esta casa sufrió un incendio en 1944 que destruyó sus interiores, posteriormente restaurados por Auguste zu Höne, su propietario.

En 1903 se mudó a Düsseldorf, donde ejerció como director de la Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios). En 1907 se sumó a la Deutscher Werkbund con cuyo fundador, Hermann Muthesius, compartía ideas, así como con el resto de los integrantes. Ese mismo año fue nombrado consejero artístico de la AEG (Allgemeine Elektrizitäts-Gesellschaft) y se muda a Berlín. Para la AEG realizó lo más reconocido de su trabajo. Hizo los proyectos de las fábricas y las viviendas de los trabajadores, muebles, productos industriales e incluso la papelería, carteles, anuncios y escaparates; contribuyó así a consolidar una nueva idea: la de la identidad corporativa, para cuyo desarrollo era necesario un nuevo tipo de empleador, el industrial visionario involucrado en todos los aspectos producidos por su industria, y también de proyectista, el "consultor" de diseño. Behrens proclamaba con esto la unión del arte y la industria, en sintonía con los ideales de Hermann Muthesius al fundar la Deutscher Werkbund.

En los siguientes 4 años trabajaron en su despacho Walter Gropius, Adolf Meyer, Ludwig Mies Van der Rohe y Le Corbusier, siendo una reconocida influencia, tal como lo mostraría el propio Gropius en su libro La nueva arquitectura y la Bauhaus.

En 1914 se adhirió al Manifiesto de los profesores de Universidad y Hombres de Ciencia Alemanes y participó en 1927 en la exposición organizada por la Werkbund en Welbenhof. Entre 1922 y 1936 ejerció como profesor de la Escuela de Arquitectura de Viena.

En 1936 aceptó el cargo de director del departamento de Arquitectura de la Academia de las Artes de Prusia en Berlín.

Fue llamado por Albert Speer para el plan de remodelación de Berlín pero su candidatura fue rechazada por el poderoso Alfred Rosenberg. Hitler admiraba la Embajada alemana en San Petersburgo, obra de Behrens quien en 1934 se había afiliado al temprano partido nazi en Austria. La guerra se desató y en 1940, huyendo del frío de su casa de campo halló la muerte con un ataque al corazón en el Hotel Bristol de Berlín.

Fue el padre del ingeniero muniqués Josef Behrens (1890-1947) y la periodista Petra Behrens (1898-1993) y abuelo del arquitecto y urbanista berlinés Till Behrens (1931).

 

Fuente : Foto tomada por Doris Antony, Creado el: 5 de febrero de 2008.

Imagen obtenida de : https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Berlin_AEG_Turbinenfabrik.jpg

Fuente del texto : https://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Behrens

Adolf Loos

Adolf Loos (Brno, Moravia 1870-Viena 1933) fue un arquitecto austriaco. Cursó estudios en la Escuela Profesional de Reichenberg y en la Politécnica de Dresde. En la ciudad de Chicago trabajó como albañil, entarimador y delineante. Posteriormente realizó obras en diversos países de Europa, tales como Austria, Francia y en Viena comienza a ejercer como arquitecto municipal, trabajando en el Ministerio de Vivienda.
Fue el pionero del movimiento moderno que preconizaba la desornamentación y la ruptura con el historicismo, siendo considerado uno de los precursores del racionalismo arquitectónico. A raíz de sus postulados, polemizó con los modernistas, que formaban la denominada Secesión de Viena y que sostenían un punto de vista antagónico de la arquitectura. Estuvo en contacto con las vanguardias artísticas europeas de la época, como Schönberg, Kokoschka y Tristan Tzara. También gustó de escribir artículos de opinión (era muy duro con sus críticas): Ornamento y delito (1910) y Arquitectura (1910).
Su arquitectura es funcional, y tiene en cuenta las calidades de los nuevos materiales (como deja patente en su "Teoría del revestimiento"). Para Loos, la arquitectura es distinta de las artes aplicadas, es la madre de todas ellas; el resto de las tipologías arquitectónicas deben ser funcionales, y prescindir de ornamentación. Él mismo financió una revista: Das Andere (“lo Otro”), en la que expuso sus ideas.

Introdujo un nuevo concepto en sus obras, el "Raumplan". El concepto del Raumplan consiste en que Loos adjudicaba a cada una de las habitaciones, a cada uno de los espacios, una importancia distinta. Afirmaba que un dormitorio, por ejemplo, no tiene la misma importancia que una sala de estar, que es un espacio de representación. De la importancia de las habitaciones dependía su tamaño o la altura del techo. Loos situó los cuartos a lo largo de un eje imaginario en la casa como si rodaran en una espiral. Cada habitación correspondía a los fines a los que debía servir. Así, la sala de estar, donde tienen lugar las actividades sociales, es un inmenso y precioso espacio. Al contrario, el dormitorio de los niños pertenece a la parte privada de la casa, y por lo tanto no necesita unos techos de tres metros.

Fuente : Thomas Ledl - Trabajo propio

 Imagen obtenida de : https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Looshaus_Vienna_June_2006_546.jpg?uselang=es

La antigua Sastrería Goldman & Salatsch, fue construido entre 1910 y 1911, constituye actualmente la sede de un banco, se encuentra ubicado en la Michaelerplatz, en Viena, situado frente al Hofburg, el palacio de los Habsburgo, con el que establece una lucha visual. Sus tres primeros pisos están recubiertos con mármol —la zona comercial de la sastrería—, y en los siguientes se da una fachada completamente lisa. Es un buen ejemplo de desornamentación.

Fuente del texto : https://es.wikipedia.org/wiki/Adolf_Loos

Templo de la sagrada familia

El Templo Expiatorio de la Sagrada Familia (en catalán, Temple Expiatori de la Sagrada Família), conocido simplemente como la Sagrada Familia, es una basílica católica de Barcelona (España), diseñada por el arquitecto Antoni Gaudí. Iniciada en 1882, todavía está en construcción. Es la obra maestra de Gaudí, y el máximo exponente de la arquitectura modernista catalana. Es uno de los monumentos más visitados de España.
a Sagrada Familia es un reflejo de la plenitud artística de Gaudí: trabajó en ella durante la mayor parte de su carrera profesional, pero especialmente en los últimos años de su carrera, donde llegó a la culminación de su estilo naturalista, haciendo una síntesis de todas las soluciones y estilos probados hasta aquel entonces. Gaudí logró una perfecta armonía en la interrelación entre los elementos estructurales y los ornamentales, entre plástica y estética, entre función y forma, entre contenido y continente, logrando la integración de todas las artes en un todo estructurado y lógico.
Desde 1915 Gaudí se dedicó prácticamente en exclusiva a la Sagrada Familia, que supone la síntesis de toda la evolución arquitectónica del genial arquitecto. Después de la realización de la cripta y el ábside, todavía en estilo neogótico, el resto del templo lo concibió en un estilo orgánico, imitando las formas de la naturaleza, donde abundan las formas geométricas regladas.

La obra que realizó Gaudí, es decir, la fachada del Nacimiento y la cripta, fue incluida en 2005 por la Unesco en el Sitio del Patrimonio de la Humanidad «Obras de Antoni Gaudí.
Estilo    Modernista

Descripción	Español: Sagrada Familia.
Fecha	24 de mayo de 2016, 11:05:01
Fuente	Trabajo propio
Autor	Canaan

Imagen obtenida de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:SF_-_lago1.jpg?uselang=es
Sagrada Familia.



Fuente del texto : https://es.wikipedia.org/wiki/Templo_Expiatorio_de_la_Sagrada_Familia

Hendrik Petrus Berlage

Fue un arquitecto y urbanista neerlandés, caracterizado en su última etapa por el uso en sus obras de grandes superficies continuas de hormigón armado.
Finalizada su formación en la Escuela Politécnica Federal de Zúrich, se inició como profesional en 1881 en Ámsterdam junto con T. Sanders, donde realizó el Plan Zuid (sur) para la urbanización de Ámsterdam. Sus obras más características son la Bolsa de Ámsterdam (1897-1904) y el Museo Municipal de La Haya.2 Entre sus discípulos figura Jacobus Johannes Pieter Oud, primer funcionalista neerlandés.

 

 Bolsa de Ámsterdam (1896-1903)

Autor: El cargador original fue Eriksw de Wikipedia en neerlandés.
Atribución: Departamento Municipal de Amsterdam para la Preservación y Restauración de Edificios y Sitios Históricos (bMA)

Imagen obtenida de : https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Beurs1.jpg?uselang=es

Fuente del texto : https://es.wikipedia.org/wiki/Hendrik_Petrus_Berlage

Los estridentistas

El Estridentismo fue un movimiento artístico llamativo y de vanguardia  multidisciplinario que se inició en diciembre de 1921 en la Ciudad de México, tras el lanzamiento del manifiesto Actual Nº1 por el poeta Manuel Maples Arce. A él se sumaron Arqueles Vela, Germán List Arzubide, Germán Cueto, Fermín Revueltas, Ramón Alva de la Canal, Luis Quintanilla del Valle y Leopoldo Méndez, quienes constituirían el grupo estridentista, propiamente dicho. Además hay un grupo de artistas que estuvieron ligados en diversas circunstancias al movimiento y que pueden considerarse, en distintos grados, estridentistas: Jean Charlot, Tina Modotti, Armando Zegrí, Humberto Rivas Panedas, Luis Ordaz Rocha, Xavier Icaza, Diego Rivera y Fermín Revueltas.

En 1925, los principales estridentistas se establecen en Xalapa (que será rebautizada y proyectada en sus obras como Estridentópolis), donde realizan una gran labor editorial, cultural y educativa, colaborando en la fundación de la Universidad Veracruzana, bajo los auspicios del gobernador de Veracruz Heriberto Jara, hasta que éste fue depuesto, por el gobierno federal, debido a su apoyo a la defensa de los derechos de los obreros frente a las compañías petroleras estadounidenses y británicas, en la cuestión de la explotación petrolera. Así, al verse privado de su protector, el grupo estridente se disolvió en 1927. Cada uno continuó produciendo obras por separado, y es así como encontramos autores produciendo aún en los años 1980 y años 1990.

Los estridentes daban las expresiones de la cultura popular y de masas del México en el año 1920, lo mismo que asimilan influencias de otras vanguardias como el futurismo, el cubismo y el dadaísmo. Su eclecticismo los llevó a procurar una simbiosis original entre todas las tendencias de la vanguardia, además de desarrollar una dimensión actualista y social, derivada de la Revolución mexicana. Junto con los Contemporáneos, representan el impulso de renovación estética y cultural hacia una literatura moderna y cosmopolita. Entre sus revistas se cuentan Ser (1922), Irradiador (1923), Semáforo (1924) y Horizonte (1926-1927) además del periódico "El Gladiador".

Uno de sus miembros más destacados, List Arzubide, lo describe así: "El estridentismo se llamó así por el ruido que levantó a su derredor. ¿Qué fue lo conseguido? Sacudir el ambiente. Si no se admiten dioses literarios, fue nuestra irreverencia la que los arrojó de los altares".​ Este tono, aunque necesario, era insuficiente: sus límites estaban ahí donde perdía su efectividad como sorpresa, como excepcionalidad; había, dice Schneider, "de buscar apoyo en el orden social como justificación del quehacer artístico",​ había de volver los ojos al pueblo y hacia él dirigirse y, si era preciso, educarlo. Más adelante otros grupos, desprendidos del arrebato estridentista, harán suya la idea y en sus postulados habrá un sustento pedagógico. La solicitud estridentista para transformar a la poesía, por otro lado, no se perdía en los manifiestos, encontraba su equilibrio con la publicación de poemarios como el de Maples Arce, Andamios interiores, de 1922, o novelas como la de Arqueles Vela, La señorita etcétera, de 1923.

Fermín Revueltas Sánchez (Santiago Papasquiaro, 7 de julio de 1901 - Ciudad de México, 9 de septiembre de 1935) fue un dibujante, muralista, pintor y vitralista mexicano, iniciador del movimiento muralista mexicano. Perteneció a la familia Revueltas Sánchez de artistas.

Al lado de Diego Rivera, Fernando Leal, Ramón Alva de la Canal, Jean Charlot y Emilio García Cahero, a quienes se unirían tiempo después David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, Revueltas sería uno de los protagonistas de la etapa temprana del renacimiento de la gran pintura monumental, participando en la decoración de la Escuela Nacional Preparatoria –edificio construido en el siglo XVIII, que ocupó el Real Colegio de San Ildefonso– con su primera pintura mural la encáustica Alegoría de la virgen de Guadalupe.






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pción	Español: Danza de Yautepec
Fecha	28 de abril de 2014
Fuente	Fermín Revueltas: construtor de espacios
Autor	Fermín Revueltas

Fuente del texto : 

https://es.wikipedia.org/wiki/Estridentismo#Artistas

https://es.wikipedia.org/wiki/Ferm%C3%ADn_Revueltas

Muralismo Mexicano

El Muralismo es un movimiento artístico iniciado en México a principios del siglo XX, creado por un grupo de intelectuales pintores mexicanos después de la Revolución Mexicana, reforzado por la gran depresión y la primera guerra mundial.1​ El deseo por una verdadera transformación aumentó y se comenzaron a hacer demandas más radicales, que buscaban una revolución social, política y económica. Los mestizos, la clase media y baja se unieron contra Porfirio Díaz.

Cuando Álvaro Obregón llegó al poder muchos cambios fueron implementados. Tres millones de hectáreas de tierras fueron redistribuidas a los campesinos, los programas educativos fueron mejorados así como se asignaron fondos para fomentar las artes. Parte de estos fondos fueron utilizados por los muralistas para expresar con orgullo su pasado indígena y educar a la gente.2​

José Vasconcelos fue contratado por Álvaro Obregón como secretario de Educación Pública de México en 1921. Cuando Vasconcelos encontró que el 90 % de la población era analfabeta, buscó una manera de enseñar a la gente mucho más sencilla de entender. José Vasconcelos patrocinó al Dr. Atl Gerardo Murillo, (conocido como el sucesor de José María Velasco Gómez)3​ El Dr. Atl fue pintor y maestro considerado el padre del muralismo. Él fundó el Centro Artístico en la Ciudad de México unos años antes. El Centro Artístico buscaba la creación de un arte nacional, utilizando los principios modernos para expresar sus ideas a través de murales. Invitó a animados jóvenes artistas a unirse a su programa, como Roberto Montenegro, Federico Cantú, Ramón Alva, José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, entre otros.

Artistas e intelectuales mexicanos participaron en la construcción de una nueva identidad nacional. Buscaban consolidar los ideales sociales creados en la revolución, destacando el nacionalismo dentro de su arte, además de cambiar las ideas raciales preexistentes contra los indígenas, ideas que se habían creado durante el periodo colonial.1​


Homenaje a los muralistas de México en Polyforum Cultural Siqueiros.
En 1922 surgió un grupo llamado Sindicato Revolucionario de Obreros Técnicos y Plásticos (Unión Revolucionaria de Obreros Técnicos, Pintores, Escultores y Afines). Este grupo expresó las ideas socialistas a través del arte y muralismo, también quería incluir artesanos, talladores de madera y tejedores textiles que no fueron considerados artistas, lo cual hizo a una gran parte de la población a entender la importancia de los murales y sentirse incluidos en el movimiento. También imprimió información sobre el grupo, que terminó siendo un periódico semanal fácilmente accesible a la mayoría del pueblo, llamado “El Machete”.1​

En 1923 el muralismo se volvió muy conocido dentro y fuera de México. “Los tres grandes” David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco continuaron pintando con los fondos del Departamento de Educación José Vasconcelos hasta que fue él sustituido por José Manuel Puig Casauranc, quien continuó apoyando solamente a Diego Rivera.1​

Uno de los murales más conocidos por su polémica y contenido fue "Man at the Crossroads",5​ un mural encargado por Nelson Rockefeller. Se presentó por primera vez como una contienda entre Pablo Picasso, Henri Matisse y Diego Rivera. Los tres negaron inicialmente la solicitud, debido a las restricciones que se pidieron para la pieza. Las directrices fueron que tenía que ser monocromático y decorativo. Después de algunas negociaciones Diego Rivera aceptó el proyecto, siempre y cuando pudiera utilizar el color y hacer una narración.

Eran tiempos de lucha, que inspiraron a Rivera para representar los acontecimientos políticos en su mural. Representó al mundo capitalista. Al un lado de la tecnología, mostrando a Charles Darwin y la teoría de la evolución, así como la gente de clase baja reprimida por la gente de clase alta. En cambio, la otra parte de la obra representaba el mundo socialista, donde dibujó a Friedrich Engels, Karl Marx y León Trotski. La parte más polémica de este trabajo, fue que pintó a Lenin en el centro, sosteniendo sus manos con un ruso y un soldado americano negro, para representar la unidad de la nación. Aunque Diego Rivera explicó sus ideas y puntos de vista políticos a Nelson Rockefeller antes de pintar el mural, Nelson le pidió a modificarlo después de haber sido aceptado, Diego se negó a modificarlo y el mural fue destruido.

Después de este incidente, se le prohibió a Diego Rivera pintar en los Estados Unidos durante algún tiempo, lo cual motivó a la comunidad artística de Nueva York a tomar acción, el incidente junto a algunos expresionistas abstractos, a pensar en lo acontecido, así se les dio una plataforma para expresar sus puntos de vista acerca de la política y el arte público.

Un año más tarde, Diego Rivera volvió a pintar el mismo mural en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, donde representó a la orientación comunista como un símbolo de esperanza, también en representación de las luchas de la Primera Guerra Mundial. Estos recuerdos fueron significativas cuando el mural fue pintado y también debido a la amistad de Rivera con Trotsky, que fue a México en exilio por orden de Stalin después de la muerte de Lenin.



Imagen obtenida de : https://commons.wikimedia.org/wiki/File:PolyforumSiqueiros04.jpg?uselang=es

Fuente	Trabajo propio
Autor	Alejandro Linares Garcia

Polyforum Siqueiros










Fuente del texto : https://es.wikipedia.org/wiki/Muralismo_mexicano

Arte povera

El arte pobre (del italiano: arte povera) es un movimiento artístico surgido en Italia en la segunda mitad de la década de 1960, al cual se adhirieron autores del ámbito predominantemente turinés. Fue llamado así por Germano Celant, debido a que se utilizan para su creación materiales humildes y pobres, generalmente no industriales (plantas, sacos de lona, grasas, cuerdas, tierra, troncos). Estos materiales se valoran principalmente en sus cambios, ya que a medida que se van deteriorando, transforman la obra.

Mario Merz (1925) destaca entre los artistas italianos que han practicado este arte. Sus obras parten de una ley estructural muy elemental, la del matemático medieval Fibonacci, para quien el desarrollo derivaba no de la simple sucesión de números, sino de la progresión en la cual cada número resulta de la suma de los dos precedentes. Esta progresión matemática es la que publica Merz en cualquiera de sus trabajos, ya sean objetos, espacios, vegetales, etc. Como por ejemplo, la disposición de paquetes de periódicos en el suelo, con los números de Fibonacci realizados en neón o grupo de frutas y verduras esparcidos por el suelo, que se van deteriorando como sucede con otros fenómenos naturales, o la realización de un iglú recubierto por una estructura de neón, donde aparece la serie de números Fibonacci, etc.

Destacan asimismo: Jannis Kounellis, Luciano Fabro, Richard Serra; y entre los alemanes Joseph Beuys (1921-1985). El material preferido de este último era la grasa, con la cual realizaba enigmáticos objetos o recubría otros, en los que destacaba principalmente, el valor expresivo del propio material. En los años sesenta (1960), junto con otro artista alemán, Wolf Vostell, y los vieneses del grupo Fluxus, Beuys llevó a cabo infinidad de Happenings en los que se hacía patente su marcado inconformismo.

El término arte povera (del italiano arte pobre) es una tendencia dada a conocer a finales de la década de 1960, cuyos creadores utilizan materiales considerados pobres, de muy fácil obtención, como madera, hojas o rocas, vajilla, placas de plomo o cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o también materiales de desecho y, por lo tanto, carecían de valor.

En un esfuerzo por huir de la comercialización del objeto artístico, ocupan el espacio y exigen la intervención del público. Tratan de provocar una reflexión entre el objeto y su forma, a través de la manipulación del material y la observación de sus cualidades específicas. Un artista típico es Mario Merz (n. 1925), famoso por sus iglú, (estructuras hemisféricas realizadas con materiales diversos) por ejemplo su obra Do We Go Around Houses, or Do Houses Go Around Us? (1977/85).

El arte povera, rechazaba los iconos de los mass media y las imágenes reductivistas, así como también las industriales del pop art y el minimalismo. Propone un modelo de extremismo operacional basado en valores marginales y pobres. Utiliza un alto grado de creatividad y espontaneidad e implica una recuperación de la inspiración, la energía, el placer y la ilusión convertida en utopía. El arte povera prefiere el contacto directo con los materiales sin significación cultural alguna, materiales que no importa su procedencia, ni uso, que sean reutilizados o transformados por el artista.

Acuñado por el crítico y comisario de arte italiano Germano Celant en 1967 para el catálogo de la exposición 'Arte povera – Im Spazio', intentaba describir la tendencia de una nueva generación de artistas italianos de trabajar con materiales nada tradicionales y supuso una importantísima reflexión estética sobre las relaciones entre el material, la obra y su proceso de fabricación y también un claro rechazo hacia la creciente industrialización, metalización y mecanización del mundo que les rodeaba, incluido el del arte. Aunque originario de ciudades como Turín, Milán, Génova o Roma y de carácter muy heterogéneo, el movimiento tuvo en seguida mucha influencia, gracias a la documenta V de Kassel, en las escenas artísticas europea y americana.

El término se usó por primera vez una exposición veneciana en el año 1967. El artista povera asumía una nueva actitud, donde tomaba posesión de una realidad que es el verdadero sentido de su ser. Proponía un modo de vida inventivo y antidogmático. El artista povera debía trabajar sobre cosas del mundo, producir hechos mágicos, descubrir raíces de los acontecimientos partiendo de materiales y principios dados en la naturaleza. No expresa juicios sobre su entorno. El arte povera también es considerado por el artista como una extensión del cuerpo y el alma del mismo conectándose directamente con el entorno, la naturaleza y todo lo que le rodea, entrando en armonía. Sus obras aunque no convencionales tienen una gran armonía y estilo únicos, dado por los materiales no comunes con los que se trabaja.

Michelangelo Pistoletto (n. Biella, Piamonte; 25 de junio de 1933) es un artista y teórico del arte italiano, considerado uno de los principales representantes del Arte Povera.

Normalmente, en sus obras trabaja con el happening, la acción o puesta en escena, a la que concede casi tanta importancia como a la obra en sí. Usa materiales de todo tipo, muchos de ellos procedentes de la vida cotidiana, desde ropa, periódicos usados, madera o cartón. La utilización de espejos, sobre los que actúa, pinta imágenes o simplemente coloca de determinada forma, es uno de sus temas recurrentes.1​

Algunas de sus obras se conservan en museos de arte contemporáneo de todo el mundo, como la Tate Gallery de Londres o el Museo Reina Sofía de Madrid


Foto: Stephan Röhl
Auto: Heinrich-Böll-Stiftung
Imagen obtenida de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Michelangelo_Pistoletto.jpg?uselang=es



Artista: Pino Pascali (1935–1968)
Título:  Trampa
Pino Pascali, Trapola, 1968
Imagen obtenida de:  https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Trap_Pascali_Tate_Modern_T12982.jpg?uselang=es

Fuente del texto : 
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pobre
https://es.wikipedia.org/wiki/Michelangelo_Pistoletto

Art Brut

El término arte marginal fue acuñado por el crítico de arte Roger Cardinal en 1972 trasladando al inglés el concepto de Art Brut, que había sido concebido por el artista francés Jean Dubuffet para describir el arte creado fuera de los límites de la cultura oficial. Mientras que el término de Dubuffet era bastante específico, pues su interés se dirigía especialmente hacia las manifestaciones artísticas llevadas a cabo por pacientes de hospitales psiquiátricos, el término outsider art se hacía extensivo a los artistas autodidactas o naïf, aunque nunca hubiesen sido internados en una institución psiquiátrica.

El artista marginal es por tanto aquel que desarrolla su labor creativa sin contacto alguno con las instituciones artísticas establecidas, respondiendo a una fuerte motivación intrínseca y haciendo uso frecuentemente de materiales y técnicas inéditos. Una gran parte del arte marginal refleja estados mentales extremos, idiosincrasias particulares o elaborados mundos de fantasía. Desde el año 2000 el Premio Europeo EUWARD, que galardona a artistas mentalmente discapacitados, viene proveyendo a este tipo de arte con un forum internacional.

El Art Brut es un término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gentes ajenas al mundo artístico sin una formación académica. Dubuffet comenzó a reunir una colección de esta clase de obras y a divulgarlas por medio de exposiciones y de publicaciones después de la segunda guerra mundial para quitarle a las obras el rótulo de arte de enfermos mentales.

Dubuffet afirmaba que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan. Esto se observa en las creaciones de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales psiquiátricos, autodidactas, solitarios, inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet recoge estas obras, fundando en 1948 la "Compagnie d´Art Brut" junto a André Breton, Michel Tapié y otros. La colección formada llega a las 5000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en el Museo de las Artes Decorativas de París, instalándose definitivamente en 1976 en el Château de Beaulieu de Lausana. La colección está formada en su mayoría por obras de enfermos psiquiátricos, generalmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la idea de "arte psiquiátrico" afirmando que "no existe un arte de los locos". El art brut constituye un aspecto fundamental del primitivismo asumido (aunque se trate de una expresión muy revaluada en la actualidad) asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos artistas que permanecen al margen de la modernidad.

Jean Philippe Arthur Dubuffet (31 de julio de 1901 en Le Havre - 12 de mayo de 1985 en París) fue un pintor y escultor francés de los más famosos de la segunda mitad del siglo XX.


Fotógrafo: Paolo Monti  (1908–1982)
Jean Dubuffet, 1960. Foto de Paolo Monti (Fondo Paolo Monti, BEIC).
Imagen obtenida de : https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Paolo_Monti_-_Servizio_fotografico_(Italia,_1960)_-_BEIC_6341424.jpg?uselang=es



Fuente del texto :
 https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_marginal
https://es.wikipedia.org/wiki/Jean_Dubuffet

Instalacionismo

Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que surge en la década de los 60´s como un movimiento artístico donde la idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales. Es parte de la forma experimental artística, se exhibe por un tiempo predeterminado y se puede presentar en cualquier espacio. Se basa en sacar un objeto del contexto y situarlo en otro para darle utilización estética.

La intervención artística de espacios es una manifestación propia del arte contemporáneo conceptual. El artista propone el concepto dentro de un contexto deseado, las instalaciones pueden presentarse en cualquier espacio y ser realizadas con los más variados materiales, medios físicos, visuales o sonoros, incluso en muchas ocasiones intervienen otras disciplinas artísticas como la fotografía, el videoarte o el performance. Se utiliza cualquier medio para crear una experiencia de interacción con el espectador para despertar sentimientos o reflexiones. Motivan la percepción sensorial en cualquiera de los sentidos, ya sea vista, oído, gusto, tacto y olfato. La instalación artística no solo es el montaje y el ordenamiento de objetos producidos o intervenidos en un espacio o ambiente; las instalaciones tienen sentido en las ideas fundamentadas que concibe y presenta el artista en su obra física o intangible y lo que éstas provocan en la interacción con el espectador.

Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visual o espacial en un ambiente determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de exposición, a menudo la obra es transitable por el espectador y éste puede interactuar con ella. Las intervenciones en espacios naturales que incorporan el paisaje como parte integrante de la obra suelen enmarcarse en el denominado Land Art o arte de la tierra.






Fuente del texto : https://es.wikipedia.org/wiki/Instalaci%C3%B3n_(arte)

Minimalismo

El minimalismo, en su ámbito más general, es la tendencia a reducir a lo esencial, a despojar de elementos sobrantes. Es una traducción transliteral del término inglés minimalism, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). Es también la concepción de simplificar todo a lo mínimo.

Surge en Estados Unidos a comienzos de la década de 1960, continuando la tradición geométrica norteamericana y reaccionando contra el abusivo predominio de las corrientes realistas y el arte pop por parte de museos y coleccionistas. Esta tendencia supuso la última etapa del reduccionismo propuesto en su día por Kazimir Malévich, por los constructivistas rusos y por el movimiento artístico De Stijl.1​

El minimalismo queda más claro si se explica que minimalismo en realidad quiere decir minimismo. El término «minimal» fue utilizado por primera vez por el filósofo británico Richard Wollheim en 1965 para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contenido intelectual pero de bajo contenido de manufactura, como los «ready-made» de Marcel Duchamp. El término también se aplica a los grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo.

Como movimiento artístico, se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en 1960.

Según la última versión del diccionario de la Real Academia Española (RAE), el minimalismo es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales, etc.

Bajo la premisa «el objeto es el objeto», el minimalismo se vinculará a las corrientes conceptuales que aparecerán inmediatamente después.

La herencia del minimalismo deviene en una reducción de la actividad del artista y en un aumento de la actividad del espectador, al que pretenden provocar un estímulo intelectual, y es que otra de las características de esta tendencia es la importancia de los aspectos teóricos, resaltados a fin de convertir el arte en herramienta de conocimiento. Este interés por la participación activa del espectador termina derivando en la aparición del «happening», modo representativo en el que el espectador era invitado a participar activamente en la acción artística, quedando abolida la tradicional separación entre creador y receptor.1​

Características

• Abstracción
• Concentración
• Desmaterialización
• Economía de lenguaje y medios
• Geometría elemental rectilínea
• Orden
• Purismo estructural y funcional
• Precisión en los acabados
• Reducción y síntesis
• Sencillez

Yves Klein, IKB 191, 1962, pintura monocromática. Klein fue un pionero en el desarrollo del arte minimalista.

Fuente: Yves Klein, Weitemeier, Taschen 1994.

Autor: Yves Klein

Imagen obtenida de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:IKB_191.jpg?uselang=es

Fuente del texto : https://es.wikipedia.org/wiki/Minimalismo

Expresionismo Abstracto

El expresionismo abstracto es un movimiento pictórico contemporáneo dentro de la abstracción, en concreto, las tendencias informalistas y matéricas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Surgió en los años 1940 en Estados Unidos y se difundió, décadas después, por todo el mundo. Se considera el primer movimiento genuinamente estadounidense dentro del arte abstracto, y ejemplo del liderazgo que, en materia de artes plásticas, asumió Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial.

Pueden señalarse como características formales de este estilo, en primer lugar, su preferencia por los grandes formatos. Trabajaban normalmente con óleo sobre lienzo.

Generalmente son abstractos en el sentido de que eliminan la figuración. No obstante, hay excepciones y algunos emplean trazos figurativos, apareciendo figuras reconocibles, como ocurre con las Mujeres de Willem de Kooning. Las telas presentan un aspecto geométrico que las hace diferentes de movimientos precedentes, como el surrealismo.

Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.

El cromatismo suele ser muy limitado: blanco y negro, así como los colores primarios: magenta, amarillo y cian. Los pintores expresionistas que redujeron la obra a prácticamente un solo color, estaban ya anticipando el arte minimal.

Este tipo de cuadros, con violentos trazos de color en grandes formatos, presenta como rasgos distintivos la angustia y el conflicto, lo que actualmente se considera que refleja la sociedad en la que surgieron estas obras.

Willem de Kooning

Fue un pintor neerlandés nacionalizado estadounidense, exponente en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, de la action painting o pintura gestual —pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still—; más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.

Jackson Pollock.

Más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento de expresionismo abstracto. Pollock alcanzó reconocimiento por su estilo único de fama por sus cuadros de dripping.
Pollock fue introducido al uso de pintura líquida en 1936 en un seminario experimental impartido por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. Más tarde utilizó el vertido de pintura como una de varias técnicas en lienzos de principios de la década de 1940 como Macho y Hembra y Composición Vertida I. Después de mudarse a Springs, comenzó a pintar con los lienzos recostados en el suelo del estudio y desarrolló su técnica de salpicar pintura.

Mark Rothko

Marcus Rothkowitz (Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903-Nueva York, Estados Unidos, 25 de febrero de 1970), conocido como Mark Rothko (en letón, Marks Rothko), fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor abstracto.​ En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York de modo autodidacta. En torno a 1940 realizaba una pintura muy similar a la obra de Barnett Newman y Adolph Gottlieb, próxima al surrealismo y plagada de formas biomórficas. A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color. Con el paso de los años, la mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras.

Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Corresponde a esta época la Capilla Rothko de la familia De Menil, en Houston, un espacio de oración donde catorce cuadros rodean un espacio octogonal dedicado a la meditación.



Fuente del texto :
https://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo_abstracto
https://es.wikipedia.org/wiki/Willem_de_Kooning
https://es.wikipedia.org/wiki/Jackson_Pollock
https://es.wikipedia.org/wiki/Mark_Rothko

Suprematista

El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia entre 1915 y 1916. Fue fundado por Kazimir Malévich.

Se evita cualquier referencia de imitación de la naturaleza recurriendo a módulos geométricos y el uso a blanco y negro.

Se inició con las ideas del pintor Kazimir Malévich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte abstracto, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica. Surgió en forma paralela al constructivismo.

Se desarrolló entre los años 1913 y 1923, siendo su primera manifestación la pintura de Malévich “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1915.2​ La primera exposición del suprematismo fue en Moscú en 1915 donde se mostró por primera vez el Cuadrado Negro y el Cuadrado rojo. Ese mismo año el pintor Kazimir Malévich y el poeta Vladímir Maiakovski escriben el manifiesto.

En 1920 Malévich completa sus teorías escribiendo un ensayo El suprematismo (también conocido como El mundo de la no representación). Los suprematistas se juntaron en un grupo denominado Supremus (sociedad de artistas) cuyo líder era Malévich, entre ellos se encuentran Liubov Popova, El Lissitzky, Aleksandr Ródchenko.

Los suprematistas no seguían los estilos tradicionales de la pintura, y no trasmitían mensajes sociales. Las obras suprematistas fueron aumentando su colorido y composición con el paso del tiempo.3​

La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (creada en 1922) determinó que, al haber tanto analfabetismo, había que volver al realismo. Para 1925 esta vanguardia estaba casi desaparecida. El suprematismo (como la obra de Wassily Kandinsky y el Neoplasticismo) fue uno de los principales logros de la abstracción.

Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño de Occidente y en la Bauhaus.

Kazimir Malevich

Creador del suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo XX.

Nacimiento del Suprematismo

1915 es el año del nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar su propio trabajo en una segunda exposición llamada Última Exposición Futurista: 0,10.​ En esta exposición realizada en Petrogrado y donde abandona el futurismo, cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna.



Publica un pequeño folleto que titula Desde el cubismo al suprematismo en arte, el nuevo realismo en pintura, hacia la absoluta creación, en donde explica el significado de su nuevo trabajo; al año siguiente edita un nuevo folleto titulado Desde el cubismo y el futurismo al suprematismo, el nuevo realismo pictórico.

Con el suprematismo, Malévich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el plano puro, el cuadrado, el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje plástico que podría expresar un sistema completo de construcción del mundo (Malévich).

Se plantea con el Suprematismo, la tarea ingente de recodificar el mundo, "Malévich dominó las condiciones de la existencia humana, de modo que pudo operar con un lenguaje cósmico para afirmar el orden global y las leyes generales del universo". El sistema fue construido en toda su complejidad. Malévich escribió: "Las claves del Suprematismo me están llevando a descubrir cosas fuera del conocimiento. Mis nuevos cuadros no sólo pertenecen al mundo". "Cuadrado negro no sólo retó a un público que había perdido interés por las innovaciones artísticas, sino que hablaba como una forma nueva de búsqueda de Dios, el símbolo de una nueva religión" (Sarabiánov).


Composición suprematista, 1916.
En 1916, continúa con sus actividades públicas para dar a conocer la nueva tendencia: con Iván Puní, otro suprematista, da una lectura popular-científica sobre el Cubismo, el Futurismo y el Suprematismo, así como una demostración de cómo el dibujo del natural es la base del Cubofuturismo.


Autor: Kazimir Malévich  (1879–1935)
Imagen obtenida de: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Kazimir_Malevich_-_%27Suprematist_Composition%27,_1916.jpg?uselang=es



Fuente del texto :
https://es.wikipedia.org/wiki/Suprematismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Kazimir_Mal%C3%A9vich

Neoplasticismo

El Neoplasticismo​ o movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo).

Priet Mondriaan

Pieter Cornelis Mondriaan (Amersfoort, 7 de marzo de 1872 - Nueva York, 1 de febrero de 1944), conocido como Piet Mondrian, fue un pintor vanguardista neerlandés, miembro de De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Wassily Kandinski y Kazimir Malévich.
El arte de Mondrian siempre estuvo íntimamente relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó por el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a finales del siglo XIX. Blavatsky creía que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que el proporcionado únicamente por los medios empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».

En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (presencia de todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal. Expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.

Busca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.» Su radicalismo es tal que, cuando Van Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando los rectángulos, Mondrian abandonó De Stijl.


Artista: Piet Mondrian  (1872–1944)
Composición de Mondrian de 1917
Imagen obtenida de :  https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Mondrian_Compositie_in_kleur_A.jpg?uselang=es


Fuente del texto :
https://es.wikipedia.org/wiki/Piet_Mondrian
https://es.wikipedia.org/wiki/Neoplasticismo

Surrealismo

El surrealismo es un movimiento artístico surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton.

A partir de 1925, a raíz del estallido de la Guerra del Rif, el surrealismo se politiza; se producen entonces los primeros contactos con los comunistas, que culminarían ese mismo año con la adhesión al Partido Comunista por parte de Breton.

Entre 1925 y 1930 aparece un nuevo periódico titulado El Surrealismo al servicio de la Revolución en cuyo primer número Louis Aragón, Buñuel, Dalí, Paul Éluard, Max Ernst, Yves Tanguy y Tristan Tzara, entre otros, se declaran partidarios de Breton. Por su parte Jean Arp y Miró, aunque no compartían la decisión política tomada por Breton, continuaban participando con interés en las exposiciones surrealistas. Poco después se incorporaron Magritte (1930), Masson (1931), Giacometti y Brauner en 1933 y también Matta (que conoce a Breton en 1937 por mediación de Dalí) y Lam; el movimiento se hizo internacional apareciendo grupos surrealistas en los Estados Unidos, Dinamarca, Londres, Checoslovaquia y Japón. Desde este momento, se abrirá una disputa, a menudo agria, entre aquellos surrealistas que conciben el surrealismo como un movimiento puramente artístico, rechazando la supeditación al comunismo, y los que acompañan a Breton en su giro a la izquierda.

En 1929 Breton publica el Segundo Manifiesto Surrealista, en el que condena entre otros intelectuales a los artistas Masson y Francis Picabia. En 1936 expulsa a Dalí por querer mantenerse neutral frente a la politización del movimiento y no condenar el nazismo alemán, y a Paul Éluard. En 1938 Breton firma en México junto con León Trotski y Diego Rivera el Manifiesto por un Arte Revolucionario Independiente.

Técnicas surrealistas

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.

Crearon el cadáver exquisito, en el cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

En el terreno literario, el surrealismo supuso una gran revolución en el lenguaje y la aportación de nuevas técnicas de composición. Como no asumía tradición cultural alguna, ni desde el punto de vista temático ni formal, prescindió de la métrica y adoptó el tipo de expresión poética denominado como versículo: un verso de extensión indefinida sin rima que se sostiene únicamente por la cohesión interna de su ritmo. Igualmente, como no se asumía la temática consagrada, se fue a buscar en las fuentes de la represión psicológica (sueños, sexualidad) y social, con lo que la lírica se rehumanizó después de que los ismos intelectualizados de las Vanguardias la deshumanizaran, a excepción del Expresionismo. Para ello utilizaron los recursos de la transcripción de sueños y la escritura automática, y engendraron procedimientos metafóricos nuevos como la imagen visionaria. El lenguaje se renovó también desde el punto de vista del léxico dando cabida a campos semánticos nuevos y la retórica se enriqueció con nuevos procedimientos expresivos.

Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924, poco después de conocer a Breton. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su parte, Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «...abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo...»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci, por medio de la cual, observando una pared se podía ver cómo surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech,​ marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904-ibídem, 23 de enero de 1989), fue un pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español del siglo XX. Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.

Salvador Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante.​ Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la capacidad de acrisolar un estilo genuinamente personal y palpable al primer contacto, que en realidad era muy ecléctico y que «succionó» de innovaciones ajenas. Una de sus pinturas más célebres es La persistencia de la memoria, realizada en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística.​ Dalí atribuía su «amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental» a un autoproclamado «linaje arábigo»,5​ que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.


Autor: Van Vechten, Carl, 1880-1964.
Descripción: Salvador Dalí, 29 November 1939
Imagen obtenida de : https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Salvador_Dal%C3%AD_1939.jpg?uselang=es



Fuente del texto :
https://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
https://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD